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Artículos sobre música

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Artículos sobre música

Mensaje  RubyWoo el Jue 03 Feb 2011, 11:32

No sé si hay algún apartado ya en el foro para incluir artículos musicales, si lo hay , ruego a los admin que hagan con este post lo que tengan que hacer y me pongan una amonestación Embarassed

La cosa es que en JNSP han publicado un artículo muy interesante hablando del pop chileno y del genial año que han tenido las bandas-sobre todo independientes- de ese país. Tal como apuntamos en otro artículo que también está por este foro, internet ha sido fundamental para este boom que de otra manera quizás no hubiera conseguido salvas las distancias y moverse más allá de la cordillera andina que tan aislados tiene a los chilenos.

Dejoel artículo y el link del spotify que lo acompaña.





En el año en que el pop independiente latinoamericano ha centrado, por primera vez, la atención del público de manera más amplia en España (vía Club Fonograma principalmente, pero también desde aquí con Plástica) si ha habido un territorio que ha generado una cantidad de nombres y propuestas de calidad sobresaliente ese ha sido, sin duda, Chile. A muchos la sorpresa de que en 2010 se agolparan nombres de grupos y discos del país transandino les ha pillado con el paso cambiado. Hace un lustro apenas ningún aficionado medio hubiese sido capaz de citar un grupo de pop de Chile. A los más avispados quizá les sonasen nombres como La Ley, que lo intentaron sin éxito, o en la órbita de BCore, los afincados en Barcelona Familea Miranda. Quizá el primer disco de Gepe editado por Astro. O los escasos que descubrieron en su momento a esa joya que se llama Javiera Mena. Pero en 2010 las cosas cambiaron.


Chile es un país de poesía más que de prosa. Hasta la llegada de un nombre de proporciones colosales como Roberto Bolaño (que además tiene una escritura panhispánica más que localista) si por algo era conocida la literatura chilena era por sus poetas, entre los que destacan figuras de talla mundial como Neruda y Gabriela Mistral, con Premio Nobel, y Vicente Huidobro que lo hubiese merecido igual. Poetas muy conectados con una querencia popular que estuvieron cerca de las manifestaciones musicales más destacadas de Chile en el pasado, como fueron La Nueva Canción Chilena surgida en los años anteriores al golpe, con la recuperación de folclore popular pero con una sensibilidad muy pop, un punto hippie y, en el momento de la verdad, de una toma de conciencia política muy fuerte. Nombres como Víctor Jara, Ángel Parra, Patricio Manns o la inabarcable Violeta Parra significan para la música chilena un manto que arropa y da entidad a los herederos de un legado reivindicado desde cualquier estilo en el futuro, a la manera que el movimiento beat ejerce de sombra del pop inglés hasta el día de hoy.



Tras el brutal golpe del 73 los que no mueren o desaparecen, se exilian o son silenciados y la música, como toda la cultura del país, pasa a ser un tema secundario cuando de lo que se trataba era de saber si a tus allegados o a ti mismo podría pasarles algo. Como en el resto del planeta, los 80, aún bajo el miedo de la dictadura pinochetista, significan una época de expansión, del surgimiento del pop con aire festivo y de absorción a la manera local de la música que triunfaba fuera. Destacan bandas como Electrodomésticos (liderados por el carismático Carlos Cabezas), Aparato Raro y, por encima de todos la banda más importante de la historia del pop chileno, Los Prisioneros, capaces de aunar ironía, pegada melódica, crítica política y dar como resultado algunas canciones arrebatadoras, sobre todo en su debut ‘La voz de los 80′, manifiesto generacional, piedra de toque, y quizá el Tótem aún no superado del pop-rock chileno. Lanzado cuando los componentes del trío no superaban la veintena, es una colección inmaculada que representaría algo así como ‘Deseo Carnal’ para el pop español de los 80, un espejo en el que mirarse por su asombrosa calidad y a la vez un trabajo que se convierte en patrimonio social e imaginario popular por el éxito alcanzado.


Los 90 comienzan con el despertar pop (al contrario que la mayoría de los países latinoamericanos, mucho más dominados por una sensibilidad rock), con bandas como La Ley, Saiko, Javiera y Los Imposibles o la estrella casi adolescente Nicole que, con su disco ‘Esperando nada’, se convierte en un fenómeno comercial para iniciar una carrera más personal que la llevaría a trabajar con Gustavo Ceratti (Soda Stereo) en el contundente ‘Sueños en Tránsito’ y a fichar por el sello de Madonna, Maverick, en una frustrada carrera en Norteamérica.


Dos grupos destacan sobremanera en los 90. Por un lado Lucybell. Con sus dos primeros discos, ‘Peces’ y ‘Viajar’, irrumpen con éxito citando a The Cure, My Bloody Valentine o el dream-pop como influencias directas. El progresivo éxito viene acompañado también de una degradación musical más que evidente que sólo salvan en contadas ocasiones, pero sus primeros trabajos aún brillan con luz propia. Pero la luz más brillante está en Los Tres, quizá el grupo con una carrera más sólida, en la que son capaces de unir una tradición del pop de los años 60 con la tradición folclórica propia, y a cada paso adquiriendo más y más peso hasta llegar a un extraordinario Unplugged para la MTV, que se convierte en una declaración de principios y en casi un homenaje al folclorista Roberto Parra (hermano de Violeta). Todos los discos del grupo son recomendables pero este trabajo para la MTV, ‘La Espada y la Pared’, y el debut homónimo sirven para asombrarse ante una obra grandiosa. 

A finales de los 90 comienzan a surgir bandas que se mueven al margen del mercado. Con sensibilidad cercana al brit-pop o al indie en general aparecen grupos como Jirafa Ardiendo o Solar que, en tierra de nadie, son tomados como emblemas para una generación cuyas vías de escape son las fiestas en discotecas como Blondie o el mítico y ya desaparecido Teatro Carrera, espacio fantasmagórico, cuyas columnas y plateas parecían que iban a derrumbarse en cualquier momento al ritmo de Pixies, Smiths o Strokes, y que se convierten en un espacio de libertad musical, sexual, personal, que serán el caldo de cultivo de una nueva generación de músicos y públicos preparados para la eclosión.
Hay un momento decisivo. Congelador, una banda con querencia al rock indie herencia de Sonic Youth o Yo La Tengo, decide crear un sello para editar su propio disco. Así nace Quemasucabeza. No es el primer sello indie pero sí el más importante a la manera de Elefant en la independencia española. Tras los lanzamientos de sus propios discos, empiezan a editar a otras bandas hasta llegar a 2005, donde aparece un trabajo definitivo, el debut de Gepe ‘Gepinto’, disco grabado en dos días que recupera el folclore pero desde una óptica contemporánea (más cerca de Devendra Banhart que de Víctor Jara pero a la vez muy tocado por el espíritu lírico de este), que se convierte en el espejo de otros músicos que estarían por llegar. Hay que recordar que a diferencia de España, cuando allí se utiliza la palabra “folk”, no se está pensando en Iron & Wine o en Bon Iver sino en algo mucho más propio sin el disfraz de la asimilación.
Al año siguiente la misma discográfica edita en Chile un disco sacado originalmente por el sello argentino Indice Virgen que, junto al de Gepe, son los que allanan el camino para la revolución que vendrá. Se trata de ‘Esquemas Juveniles’ de Javiera Mena. Las maquetas de ese disco y de otro acústico llevaban dando vueltas años, ella misma las ofrecía en las salas de chat de Soulseek para que la gente se descargase su música o la de su proyecto paralelo, el dúo electropop Prissa (antes llamado Televisa). El disco es una obra maestra del pop atemporal cargada de himnos como la titular, ‘Como siempre soñé’, ‘Al siguiente nivel’, ‘Cámara lenta’, una versión de ‘Yo no te pido la luna’, la canción popularizada por Daniela Romo que da muchas pistas de dónde viene Javiera y, por encima de todas, ‘Sol de invierno’, un dueto junto a Gepe que se convierte en un clásico instantáneo y en cierto modo un hito para la música chilena. Ese momento está captado de forma sencilla, sin pretensiones, en el divertido y en cierto modo revelador documental ‘Al unísono‘, que trata sobre los dos intérpretes.
Tras ellos comienzan a surgir una serie de proyectos y sellos que fraguan la explosión de 2010. Sellos como Neurotyka ya trabajaban hace años con bandas diversas como el slowcore de Otoño o el pop enrarecido del debut de Dënver. Proyectos mágicos como Caramelitus, en la onda de Cocteau Twins y conformado por Camila Moreno, que emprenderá una exitosa carrera en solitario como cantante folk y Tomäs Preuss, que tanto bajo su nombre como con Prehistóricos, ejerce de magisterio musical en la búsqueda de un lenguaje muy personal; o Teleradio Donoso, que siempre estuvieron en el filo de hacerse grandes.

Una escena que se reconoce aún desde diversos ámbitos y estilos, desde el hip-hop de Cómo Asesinar Felipes o los integrantes del Colectivo Etéreo, a la electrónica de baja fidelidad de El Sueño de la Casa Propia, pasando por propuestas más ancladas en lo tradicional como Chinoy y su voz inimitable, la citada Camila Moreno, Natalia Molina, Matías Cena, Caroklina o la estimulante Deplásticoverde, dando todos ellos matices contemporáneos a la música popular.


Y llega 2010. Como si se hubiesen alineado los astros, se editan en el mismo año una serie de trabajos de altísima calidad que rompen la barrera local y son alabados desde el sur del continente hasta Norteamérica y, al fin, desde España. Para un país de apenas 13 millones de habitantes, con una industria musical raquítica y mucho más en el ámbito independiente, se antoja casi inexplicable que hayan confluido todos esos trabajos tan notables de golpe. Hasta 11 de ellos aparecían en la lista de los mejores de la citada web Club Fonograma. Podemos destacar varios nombres propios de 2010. Sin duda uno de ellos sería el sello Cazador. Actuando como netlabel la mayor parte del tiempo, edita una serie de discos de altísima calidad como ‘Dónde están las jugueterías’ de La Reina Morsa, ‘Si no tienes nada que decir entonces calla’ de Fothers Muckers, ‘Reconoceronte’ de Los Mil Jinetes, ‘TV Gamma’ de TV Gamma, o esa absoluta joya, uno de los discos favoritos del pasado año para el que esto escribe, ‘Nortinas War’ de Protistas (parte de cuyos miembros tiene otra interesantísima banda llamada Survey Team). Un disco que no engaña de dónde sale con una cita que intertextualiza parte del ‘Dumb’ de Nirvana (una canción anterior al disco llamada ‘Elliot Smith’, ofrece un rock heredero de los años 90), poco complaciente en una primera escucha pero con el valor extra de unas letras absolutamente arrebatadoras, llenas de polvo y suciedad, muy depresivas y explícitamente localistas, que convierten este trabajo en algo muy especial.


Otros discos indispensables de 2010 en Chile son el de Odisea, seudónimo bajo el que se esconde Alex Anwandter (antes en Teleradio Donoso), transformado en un Jacko santiaguino y con un trabajo de aroma conceptual en el que construye una distopia sobre un Santiago fantasmal, con toques anarquizantes y musicalmente bailable hasta morir de deshidratación con ese absoluto hit que es el single ‘Cabros’; la consagración de El Sueño de La Casa Propia con el excelente ‘Historial de caídas’, mucho más ambicioso y que llega más allá que sus trabajos anteriores; la tropicalidad sicodélica de De Janeiros (banda en la que está Milton Mahan de Dënver también en 2010 con su proyecto en solitario Nueva Orleáns); Los Prehistóricos de Tomäss Preus con un disco de emociones a flor de piel como es ‘La Orquesta Oculta’ y canciones enormes; Perrosky, con un disco áspero con la producción del mismo a cargo de Jon Spencer; el regreso por partida doble de Carlos Cabezas; el nuevo trabajo de Panico, un grupo clásico en la escena independiente chilena radicado en Europa, que ya ha actuado en el FIB y fue telonero de parte de una gira europea de Franz Ferdinand, en el estudio de los cuales grabaron su trabajo ‘Kick’; el rock bailable, sucio y sexual de Miss Garrison en ‘Tire y Empuje’, perfecto para noches sin fin; la sicodelia electrónica un poco a lo MGMT de Astro y su disco ‘Le Disc de Astrou’; Óptica y Ondas con el complejo ‘Cartografía sonora y algunos accidentes geográficos’, y hasta grupos más mainstream como los ya clásicos Los Bunkers, que con su disco de versiones de Silvio Rodríguez ‘Música Libre’ han llegado, de manera un tanto inesperada, a ser llamados para actuar en el festival de Coachella, y más y más y más…



Pero tres discos han destacado por encima de los demás por su calidad y repercusión tanto local como internacional en 2010. ‘Audiovisión‘ de Gepe, editado por Quemasucabeza y disponible en España a través de Federación de Universos Pop, es la cristalización fastuosa del camino iniciado por él en su segundo trabajo ‘Hungría’ y perfeccionada en el significativo EP ‘Las Piedras’, que daba muchas pistas sobre lo que daría de sí este trabajo. Con una sensibilidad descomunal, un aire de electrónica un poco retro pero actual, una capacidad vocal que arropa como una manta y unas letras que destierran la ironía y lo abstracto de su obra anterior para buscar la ternura, ha cosechado grandes elogios en todas partes y lo ha situado ya como un clásico por derecho propio. Otro de los discos imprescindibles es ‘Música, Gramática, Gimnasia‘ de Dënver en el sello Cazador y disponible en España también a través de discos FUP. Desde el adelanto que significó ‘Lo que quieras’, con un maravilloso vídeo, una épica (y una cita) muy Planetas, pero también con elementos reconocibles de otros grupos de aquí como La Casa Azul, Family o la Buena Vida, y un hit incontestable como ‘Los adolescentes’ o diamantes como ‘En medio de una fiesta’, ha irrumpido en el panorama de prensa española (principalmente en blogs) colándose en multitud de listas de final de año en medios como Hipersónica, en el que llegó al puesto 10, Lanadadora o en la propia de JNSP.

Por último, el disco que más elogios y tinta hizo correr de entre los venidos de Chile, el esperadísimo segundo trabajo de Javiera Mena, titulado de manera escueta ‘Mena‘. Lanzándose a la autoedición en su propio sello Unión del Sur (junto a su productor Cristian Heyne, productor a su vez del disco de Dënver y del de Gepe en un año para enmarcar en su carrera) el disco es extrovertido, bailable, intenso, profundo y sencillamente magistral. Colaboraciones de lujo como Daniel Hunt de Ladytron, Kelley Polar o la sonadísima con un admirador de la diva chilena como es Jens Lekman, deslumbrado por su trabajo en una visita al país (al igual que les ocurrió a otros admiradores de Mena de postín como son los Noruegos Kings of Convenience), en la canción más clara del disco, ‘Sufrir’, eleva el disco a un nivel bastante complicado de superar en posteriores trabajos.


Pero eso es el futuro. Y el presente es un 2011 que ya ha comenzado de manera excelente con el disco de la ex Colectivo Etéreo Dadalu ‘Periodo’, Fakuta, el inesperado regreso tras unos años de paréntesis de los pioneros Les Ondes Martenot, herederos directos del sonido Donosti, con su encantador ‘Dos’, o el anuncio de que Astro estaba produciendo lo nuevo de Protistas. Así que esperamos un 2011 venido de Chile si no tan intenso y revelador (cosa casi imposible), sí que continúe descubriéndonos nuevas bandas u ofreciendo más discos que nos hagan disfrutar y mirar con un poco más de cariño a ese pedazo de tierra que también sentimos en parte como propio.
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Re: Artículos sobre música

Mensaje  RubyWoo el Vie 04 Feb 2011, 11:34

Artículo de El País sobre Chile. Lol, estará financiando el Ministerio de cultura chileno todos estos artículos?

Chile, el nuevo paraíso pop

El país sudamericano emerge como una de las grandes potencias de pop independiente cantado en español. ¿De repente? No del todo, es la consecuencia de 10 años de trabajo oculto. Se editan en España los discos de Javiera Mena, Gepe, Dënver y Ana Tijoux, la vanguardia de una ¿escena? demasiado desconocida hasta ahora.

No puede ser casual: todos los entrevistados en este artículo usan el concepto "aislamiento" para referirse a Chile. Los habitantes de esa cinta en el extremo sur de América de 4.200 kilómetros de largo parecen tener claro que lo más peculiar de su república es que está encajonada entre el océano Pacífico y los Andes.


Según los mismos consultados, ese aislamiento sería el que convierte al país de Neruda, Allende y Bolaño en aquel lugar al que el resto del mundo solo presta atención cuando pasa algo grave. Si uno de esos 60 movimientos sísmicos que diariamente lo sacuden se convierte en un devastador terremoto cuyas víctimas se cuentan por miles o si 33 mineros de un remoto lugar llamado Copiapó quedan encerrados bajo tierra 69 días.

Y de ser real, ese aislamiento explicaría lo poco que se sabe de su música. Exceptuando a Víctor Jara, sus artistas no han tenido la internacionalidad de Argentina o Brasil ¿Quién ha oído en España hablar de Los Prisioneros? ¿Cuánta gente aseveraría que Violeta Parra era chilena?

Pero, por debajo, algo pasa: pequeños hitos como 1977, el segundo disco de la rapera Ana Tijoux, nominada para los Grammy en la categoría de mejor álbum latino de rock, música alternativa o urbana. Es la primera candidatura chilena en esos premios desde 2000. O que Mena, de Javiera Mena, y Audiovisión, de Gepe, las indiscutibles figuras del indie de aquel país, hayan resultado ser dos de los discos de pop en español más destacados de 2010. Y es un flujo continuo: en diciembre aparecía en YouTube Los adolescentes, un vídeo con 80.000 visitas que descubrimos que era un tema del disco Música, gramática, gimnasia, de unos tal Dënver. Un dúo de veinteañeros chilenos. Detrás viene un aluvión de nombres: Fakuta, Perroski, Nano Stern, Astro... "Durante los últimos 10 años han salido cantidad de bandas con un talento extraordinario, pero que apenas publican cuatro canciones en MySpace antes de desaparecer. Lo que están logrando los artistas que se empiezan a dar a conocer fuera es solo producto de un genuino amor a lo que hacen. Con tanto en contra, siguen y siguen hasta finalmente lograr algo", explica Cristian Ayala, director de Super45, web musical de referencia en Chile.

Porque cuatro álbumes exportables en una nación que apenas ha publicado 70 referencias indies en 2010 es un alto porcentaje. "El dato salió de un periódico, no sabemos cómo de oficial es esa cifra. Pero para lo que estamos acostumbrados, es un símbolo del estado saludable en el que se encuentra la música independiente de Chile. Setenta discos, desde fuera, pueden parecer poquísimos, pero son muchos más que en años anteriores", dice Diego Sepúlveda, de Sello Cazador. "Lo primero es contextualizar", apunta el director de Super45. "Chile tiene 16 millones de habitantes. Cinco en Santiago. El poder adquisitivo no es ni la mitad de lo que es en Europa. Lo otro es la penetración de Internet. Que el 70% de la población tenga una cuenta en Facebook dice mucho". La consecuencia: la mayoría de los sellos son netlabels, con discos disponibles en Internet, pero que no llegan a tener soporte físico.

Cuenta Ayala que este nuevo mundo es consecuencia del fin real de la dictadura de Pinochet. En 1990, tras 17 largos años, el general cedía su cargo, pero su sombra seguía presente. "Recién a principios de 2000 surgieron artistas más jóvenes que no habían crecido en dictadura y no tenían todo ese rollo militante tan noventero de la generación anterior. Esto se manifestaba tanto en su acceso a la música (ya no compraban discos, los bajaban) como en sus influencias iconoclastas (desde el pop más mainstream hasta Violeta Parra). Al principio causó tirria en el ala más militante, pero luego tuvieron que rendirse a la evidencia. Los jóvenes venían escribiendo canciones mejores, y eso manda".

Chile es una rara avis en Latinoamérica. "Aquí todos escuchábamos pop, pero hasta cierto punto nos avergonzaba decirlo", cuenta el director de Sello Cazador. "Veíamos con nuestras familias el Festival de Viña del Mar. Todos sus artistas eran pop. De Camilo Sesto a Backstreet Boys. El pop siempre estuvo allí, pero ha dejado de ser una vergüenza y se convirtió en una identidad generacional".

Un alma pop que, dicen, se remonta a uno de sus hitos, Los Prisioneros. "La new wave en los ochenta fue impulsada por esa banda, la más importante de la historia chilena. Pasaron en dos años de ser influenciados por The Clash a Depeche Mode, New Order y el italo disco sin dejar de llenar estadios o ser contestatarios con la dictadura", explica Ayala. "Tambien hay una discoteque que se llama Blondie en la que ponen puro new wave. Es la más importante de música alternativa y yo fui desde los 16 años", confirma Javiera Mena.

A ella señalan todas las miradas como el desencadenante. Nacida en 1983, es la primera en destacar con su debut en 2006. "El disco tiene repercusión, que hace que otra gente les siga", explica Daniel Hernández, de Federación de Universos Pop, el pequeño sello que ha editado en España a Gepe. "La gente allí es superjoven, 20 o 21 años. Poco a poco, de 2005 a 2010, se crean un circuito y medios. Sobre todo, hay un público que ve que Javiera empieza a despegar, y piensan: '¿Por qué no yo?".

"Ha cambiado tanto que 10 años me parecen como 30. Es que todo ha crecido de manera exponencial, tanto las propuestas musicales como el público y los lugares. Me da la impresión de que la música chilena, en términos generales, aún se encuentra en estado de incubación y falta un poco más para nacer de manera oficial, pero lo que se ve es muy auspicioso. Me parece que Chile, y ser chileno, es una ventaja para hacer música en estos tiempos", dice Gepe. A lo que Javiera Mena apuntilla: "Un periodista colombiano me decía que Chile es el único país que se mira para dentro. En cuanto a música, claro. El latino es más extrovertido, más rockista o caliente.El chileno es diferente, más melancólico, más tímido. ¿Será eso? No lo sé".

Pequeñas grandes estrellas chilenas para el pop global
Unos cuantos artistas han conseguido trascender el mercado nacional para hacerse un hueco, primero en Latinoamérica y más tarde en Europa. Estos son los nombres a seguir dentro de las nuevas generaciones.

GEPE

"La música de Gepe es folclor con pop", se decía al principio del trabajo de Daniel Riveros, Gepe, nacido en Santiago en 1981 y colaborador a finales de los noventa de Javiera Mena. "Mi principal influencia es de folclor chileno, y dentro de este lo que más llama la atención es la tonada, que es la música del campo de la zona central chilena y que principalmente es cantada por mujeres", explica de su personal fórmula, que incluye dosis de electrónica. Ha publicado cuatro discos desde 2004; tres de ellos han sido editados en España (en tres sellos distintos). Pero ha sido el último, Audiovisión, el que ha logrado una mayor repercusión fuera de Chile.

DËNVER

"Somos de San Felipe, una ciudad que queda como a una hora y media de Santiago. Es relativamente pequeña, cercana a muchas zonas rurales, no hay centros comerciales y casi ningún edificio. Mi hermana comenzó a pololear [salir] con un niño que tocaba en la misma banda que Milton; me invitó a una fiesta y ahí lo conocí. Yo tenía 14; él, 16. Congeniamos de inmediato y me invitó a tocar con su banda. Nos hicimos muy amigos, y una vez que la banda se disolvió, continuamos haciendo música en la sala de estar de mi casa, con un piano, un Casio y una guitarra". Así cuenta Mariana, de 20 años, la historia del dúo revelación de 2010. Su disco Música, gramática, gimnasia se publicará próximamente en España.

ANA TIJOUX

Nacida en Lille en una familia exiliados (su padre era diplomático), Tijoux es la máxima exponente del hip-hop chileno desde que empezó en el grupo Makiza, a fines de los noventa. De hecho, 1977, el título de su segundo disco (editado en España por Boa), alude al año en que nació. Un disco biográfico, personal e intrínsecamente chileno. Y ha conseguido un hito importante. Una candidatura a los Grammy en la categoría de mejor álbum latino de rock, música alternativa o urbana. La primera candidatura que consigue un músico chileno desde que, en 2000, La Ley, una de las bandas históricas de ese país, lograrán ese premio.

FAKUTA

Nadie parece ponerse de acuerdo sobre cuál será el siguiente grupo o artista chileno en salir a la luz. Uno de los nombres más citados es el de Fakuta (en la foto), el alias de Pamela Sepúlveda, una arquitecta de 28 años que surgió de un grupo ruidista llamado Banco Mundial y que ahora apuesta por un pop electrónico y delicado. Pero la avalancha de referencias muestra lo vital de la escena chilena en este último año. Aquí van unos cuantos: Perroski, Odisea, Astro, Nano Stern, Chinoy, Dadalú, Adrian Igual, Nueva Costa, Midiset, El Sueño de la Casa Propia, La Reina Morsa y Protistas.

Audiovisión, de Gepe, está publicado en Federación de Universos Pop, que editará próximamente, Música, gramática, gimnasia, de Dënver. Mena será editado por Yoyo Industrias/Club Social.

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Re: Artículos sobre música

Mensaje  fedenieko el Sáb 05 Feb 2011, 11:00

La revista Zona de obras de este mes trae un CD de música hecha en Chile y un CD para descargar de otros países latinoamericanos: http://www.zonadeobras.com/revistazdeo/revista62.asp


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Re: Artículos sobre música

Mensaje  RubyWoo el Jue 17 Feb 2011, 21:18

Me ha parecido muy interesante este artículo del blog "Así se fundó Carnaby Street" de Javier Reguera


¿Y si Ian Curtis hubiera entrado en Operación Triunfo?



¿Qué hubiera ocurrido? Nada. Le habrían expulsado en el primer episodio. Digo episodio porque Operación Triunfo ha formalizado (desde su primera edición) una nueva manera de exponer una narrativa para la manufactura musical. Me interesa el formato no por lo que ofrece, sino por la exposición mediática, veladamente interpuesta, de los signos e ideologías que construyen un producto para su envasado y posterior colocación en las vitrinas del supermercado. En este caso el producto es el cantante, el aspirante a convertirse en nuevo fenómeno comercial. Pero el término comercial no sería muy exacto: no se puede demostrar que la comercialidad esté reñida con la creatividad. Hay multiples ejemplos. Lo que Operación Triunfo reproduce es una ideología del producto culturalmente designado por modelos estereotipados y tipologías verificadas en el lineal de la cadena de montaje.

Operacion Triunfo representa la aplicación del fordismo al entorno musical. Todo producto ha de ser igual al referente objetivo que reproduce, de tal forma que lo que se premia en la cadena de producción es la igualación, su adecuada posición en una categoría de consumo estratificada a partir de atributos impuestos por la logica empresarial de la gran industria discográfica, su culminación en las estanterías y correcta confrontación con productos similares. Es una ideología basada en la repetición infinita. Sin embargo, el producto (es decir, el cantante) es solo un elemento más entre todos aquellos que hacen funcionar el engranaje. Lo que esa ideología reproduce realmente no es el producto en sí, sino la forma masificada, a través del marketing, de introducirlo en la mente del consumidor. El producto tan solo adquiere relevancia en la estrategia publicitaria, pero sus caracteísticas internas lo hacen sólo consumible en un corto periodo de tiempo. El producto caduca cuando la industria deja de invertir en el marketing. No importa tanto la cadencia del cantante como el artilugio de la repetición publicitaria que lo sostiene.

Esta edición multiplica el efecto y, correlativamente, su fracaso. La cuestion no reside en demonizar a su presentadora, Pilar Rubio. La lógica televisiva, basada en la parafernalia de los datos de audiencia, traslada su incapacidad a una presentadora que, en cierto sentido, ha aportado lo que le falta a las ideologías de la industria discográfica a gran escala y a los medímetros de audiencia: emotividad. La cuestión se presenta aún más clara cuando la narrativa del programa carece de argumento y la presentadora se convierte en el chivo expiatorio. Es la propia narrativa la que expone sus propias deficiencias en la cadena de montaje (Los miembros de jurado son sus operarios). Los productos son defectuosos no porque no sepan realizar su función (cantar) sino porque carecen de identidad, o lo que en términos de mercado podría llamarse atributos de marca o valor en la diferencia. Una excepción: Jefferson. Quizá el único que aporta algo distinto, un timbre de voz inusual, una imagen moldeable pero extralimitada entre el comic Manga, las fotografías de la revista Super Pop y el delirio-pop evocado por la saturación de colores de la cultura de los años 60. Si partimos de esa base (Jefferson como excepción), hemos de contemplar la premisa según la cual la industria pondrá toda su maquinaria en marcha para evitar la distinción e incluirlo en un posicionamiento de consumo asimilable. Sin embargo, la música funciona más allá de los parámetros impuestos por la gran industria. Ian Curtis (Joy Division) no hubiera tenido oportunidad alguna en ese conglomerado. Sus movimientos arritmicos, su voz desangelada o su manera de modular las letras hacia el vacío nos impide pensar al cantante desde el contexto ideológico manifestado en Operación Triunfo.
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Re: Artículos sobre música

Mensaje  marcel el Jue 24 Feb 2011, 03:27

El arqueólogo del 'heavy'

Un madrileño rastrea el rock duro español de los ochenta para reeditar los discos
CARLOS MARCOS - Madrid - 23/02/2011

Solo le interesan los grupos heavies españoles de los ochenta que editaron sus discos en vinilo. Vuelva a repasar el lector la frase porque es complicado quedarse con el mensaje a la primera. Heavies españoles, de los ochenta, en vinilo. El margen es estrecho. Veamos. Quedan descartados los grandes, que ya se pueden localizar en CD: Barón Rojo y Obús. Tampoco entra aquí la segunda división (en popularidad) del heavy español: Sangre Azul, Santa, Muro. Ni la tercera: Bella Bestia, Sobredosis.



El resto, lo que queda, la división preferente, es la obsesión de este hombre. Si eres uno de ellos, contacta con él. Alfonso J. B. Sánchez se llama, cuenta 42 años y nació en el rockero barrio de La Elipa, cuyas calles (y sobre todo bares) vieron nacer a los Burning. Alfonso calcula que habrá unos 60 discos que se ajustan a sus estrictas condiciones. Él ya ha encontrado 11. A lo que se dedica este hombre es a practicar la arqueología heavy: rastrea la pista de unos músicos que hace 20 años olvidaron que alguna vez cogieron una guitarra, les convence para que abran sus baúles en busca de materiales y luego les reedita sus discos en la compañía Leyenda Records. Ojo: son grupos olvidados que en su época no vendieron en masa. Cuando el arqueólogo da con ellos, los exmúsicos reaccionan con incredulidad. ¿Quizá es una broma? Pues no. Obviamente, Alfonso se considera un freak.

Alfonso no vive de la compañía por una sencilla razón: no da ni un euro. Con la carrera de Empresariales, se gana su nómina trabajando en una gestoría familiar. El resto del tiempo se lo dedica a su novia y al heavy metal nacional.

Lo primero que conviene explicar es de dónde viene el J. B. de su nombre. Alfonso: "Durante siete meses trabajé en la revista Heavy Rock escribiendo críticas de rock español. Como sabía tanto, me lo ofrecieron. Cuando le dije mi apellido (Alfonso Jesús Borrego Sánchez) al director, el Mariscal Romero, me espetó: 'Un rockero no se puede llamar Borrego. Te firmaremos las críticas como Alfonso J. B. Sánchez'. Y así me llama todo el mundo".

Pero busquemos su ADN heavy. Para convertirse en un rockero de pura cepa ayudó mucho su barrio. Era la época dorada de la música dura, mediados de los ochenta. Alfonso contaba 16 inquietos años cuando encontró su templo: "En La Elipa nos cambiábamos las cintas de casete. Empecé a escuchar a grupos internacionales, como Saxon, Rainbow o Michael Schenker. Hasta que encontré el disco Metalmorfosis, de Barón Rojo, y Duro y potente, de Pánzer. Entendía las letras y me llegaba más. Por esa época descubrí la sala Canciller, de Alcalde López Casero, donde actuaban todos los grupos. Estaba a cinco minutos de mi casa. Me encontraba en el epicentro del heavy".

Desde esa época adolescente empezó a coleccionar todo lo relacionado con el rock español. La afición se ha mantenido. Hace tres años encargó por eBay dos discos en CD (de oscuro heavy español ochenteno, por supuesto): Thor y Rosa Negra. Cuando los recibió, alucinó: eran ediciones piratas (sin autorización de los autores y regrabadas del vinilo) y de una ¡compañía alemana! "Me tocó la moral: los discos con los que yo había crecido y que amo se estaban editando de esa forma tan penosa. Fue cuando decidí montar la compañía Leyenda Records y publicarlos de forma legal, con buen sonido y con la autorización de los músicos", comenta. El porqué una empresa alemana se interesa por discos de heavy español tiene una razón: son muy buscados por los coleccionistas, porque España es de los pocos países europeos donde los grupos cantaban en su idioma, y no en inglés.

Y comenzó su investigación. Armas con las que cuenta: un teléfono y sus piernas. "Lo primero que hago es contactar con una llamada. Pero a veces han cambiado de número. Así que intento localizarlos en su último domicilio, llamando al telefonillo o preguntado a los vecinos. Es un poco una labor de Paco Lobatón", cuenta. Esto último le ocurrió con el guitarrista de los madrileños Alcaudón, que se había cambiado de nombre. Al final, una vecina le dio el contacto.

La reacción de los grupos suele ser de sorpresa: ¿quién se acuerda de una banda que apenas trascendió? Luego, la mayoría colabora. Alfonso añade regalos a la edición: canciones extra, fotos inéditas, textos elaborados... ¿Grupos que ya tienen su cuidada reedición? Azuzena, Manzano, Casablanca, Bruque, Marshall Monroe o los citados Alcaudón.

Alfonso, que aún conserva la melena heavy a pesar de la invasión alopécica, recibe con cara de pena la última pregunta. "Y cuando consigas reeditar los 60 discos y ya no haya más grupos, ¿qué?". "Entonces cerraré Leyenda Records con satisfacción", responde.

http://www.elpais.com/articulo/madrid/arqueologo/heavy/elpepiespmad/20110223elpmad_15/Tes[img
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Re: Artículos sobre música

Mensaje  RubyWoo el Jue 03 Mar 2011, 11:59

Serie de entrevistas a personajes "destacados" del mundo de la música, aparecida en Rolling Stone.


- JAUME BARÓ, DIRECTOR DE 40 PRINCIPALES: LA EMISORA MUSICAL CON MÁS AUDIENCIA
“El pop español es antiguo y casposo”

Baró, junto a su viejo transistor.
En una habitación de unos 15 metros cuadrados, sobria, con colores blancos y grises, y desde la que se ve la Gran Vía madrileña desde una séptima planta, se decide qué música van a escuchar, a diario, cuatro millones de españoles. Es el despacho del director de 40 Principales, la emisora líder en la radiofórmula en España, que en sus casi 45 años de vida ha influido de forma directa en cuál es la música mayoritaria en este país. Él es Jaume Baró (Barcelona, 47).
De primeras, Jaume es parco en palabras. Se expresa sin florituras y busca con la mirada la comprensión del interlocutor. Mantiene un discurso estructurado y preparado: “A mí lo que me interesa es que me oiga el dependiente del Zara, el tío del taller... ”, expresa, de forma firme. Palabras como ‘producto’, ‘perfil’ o ‘modelo’ son recurrentes cuando expone su rol y su negocio musical, explicado con pragmatismo. En la programación de 40 Principales no hay cabos sueltos. Por ejemplo: el hip hop o el heavy no se pinchan porque son estilos polarizados. “Esto es: gustan mucho a unos, repelen a otros”, remata Baró. Tampoco para estrellas adolescentes, de Disney (es difícil escuchar a Justin Bieber o a Miley Cyrus en su programación): no atraen a la edad media del público a llegar, 29 años. ¿Cuál es entonces el terreno fértil? “Nosotros trabajamos el pop, no por capricho de nadie, sino porque es el estilo con mayor potencial, en cuanto a seguidores”, espeta el director.
El objetivo principal de la emisora 40 es claro: llegar a un público masivo y de una franja de edad joven determinada, entre los 25 y los 35 años, aquella con más recursos, y posibilidades, para gastar sus euros. Para ello, su máxima es dar al oyente lo que quiere escuchar. ¿Quiere esto decir que 40 Principales es la cadena en la que el público encuentra lo que quiere escuchar? Para Baró la respuesta es contundente: “Sí”. La encuentra en sus 11 años de experiencia en su puesto, en las encuestas que hacen para conocer los gustos de la audiencia o en la expansión de esta marca, que también encabeza una revista, una televisión y un portal de internet, un musical y, próximamente, una cafetería.
Baró relaja el discurso al charlar sobre su carrera de piano, que se sacó en paralelo a su Licenciatura en Periodismo (durante años se curtió tocando en orquestas) y al confesar lo que disfruta escuchando a Supertramp mientras desayuna los fines de semana. Y es entonces cuando hace revelaciones sorprendentes: Lady Gaga no le gusta y piensa que el pop español actual es, en sus palabras, “antiguo y casposo”.

¿Ha afectado la crisis a 40 Principales?
Afecta en que es más complicado llegar a acuerdos con las compañías discográficas para que, por ejemplo, cuando organizamos nuestros Premios Principales nos ayuden a costear al artista. El avión, las dietas... Antes, éstas se hacían cargo de esos gastos, pero ya no. Ahora la radio programa con mucha más libertad que antes.

¿No tienen peso las discográficas en la programación de la cadena?

Las inversiones de las compañías son cero, por lo tanto no tienen peso. Nosotros, ¿de qué nos ganamos la vida? ¿De qué comemos? De que venga aquí Repsol, El Corte Inglés o Cola Cao, y haga sus grandes inversiones. ¿Por qué las hace? Porque tenemos un montón de oyentes, con unos perfiles cojonudos. ¿Por qué tenemos éstos? Porque programamos en función de lo que quieren. ¿Por qué podemos programar en función de lo que quieren? Porque no nos mediatiza la industria discográfica. ¿Por qué no nos mediatiza ésta? Porque no tiene un pavo.

¿Cómo ves el estado de la música en España?

El pop español no ha evolucionado, está antiguo, casposo. Se ha quedado en el sonido de hace 15 años. Estamos todavía rasgando las guitarras, cuando fuera hay programadores trabajando con sonidos electrónicos. Los productores siguen siendo los de hace 25 años. Gente de 40, 50 años aquí está produciendo a chavales de 18. No tiene sentido.

¿Dónde está el futuro, entonces?

Hay que introducir el mundo de la electrónica en el pop español, incorporar un nuevo grupo de productores, meter la informática en el pop… Y todo eso no se hace. Se sigue trabajando con los cazatalentos de siempre, con los mismos equipos de toda la vida.

40 Principales es una marca que también despierta antipatía…

Como todo lo que es líder.

Para este mismo reportaje, el director de la revista ‘Rockdelux’ dice que 40 Principales ha hecho daño a la música en España. ¿Qué responde su director ante esta afirmación?

Mi trabajo no es conseguir que Deluxe se convierta en masivo. A mí lo que me interesa es que me escuchen los que están en la calle, para luego ir con mi saco de oyentes a Peugeot, para que compren mi producto. Me da igual: ellos [‘Rockdelux’] no van a salvar el mundo ni van a cambiar la música en este país, no lo han hecho nunca con su grandes críticas y plumas. ¿Qué tendrá que ver 40 con que haya un grupo Mr. X que haga unas canciones que son una mierda? Si son una mierda, pues son una mierda. Y si no le gusta a la gente, pues no le gusta a la gente. Y yo puedo estar poniendo una canción cinco veces al día que si es una mierda no funciona.

¿Eso ha sucedido?

Claro. Antes no tenías información y podías estar convencido de que una canción era la hostia, pero ni te enterabas de que en la calle no estaba funcionando porque estabas en tu mundo. Ahora eso no sucede, debido a nuestras encuestas. ¿Por qué tenemos un millón y medio oyentes más que hace un año? Porque estamos tocando la música que la gente quiere oír.


Última edición por RubyWoo el Jue 03 Mar 2011, 12:34, editado 1 vez
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Re: Artículos sobre música

Mensaje  RubyWoo el Jue 03 Mar 2011, 11:59

Segunda de las entrevistas:



- SANTI CARRILLO, DIRECTOR DE LA REVISTA ‘ROCKDELUX’: LA PUBLICACIÓN MÁS INFLUYENTE DEL 'INDIE'
“La música en España es para un élite seleccionada”

Carrillo, firme y con neones a la espalda.
Santi Carrillo (Barcelona, 46 años) lo tiene claro: “Nosotros difundimos buena música. Lo digo sin ningún tipo de falsa modestia”. Con nosotros se refiere a Rockdelux, la revista de música que dirige. Esta cabecera mensual, con una tirada de 50.000 ejemplares (dato proporcionado por el propio Carrillo), ha capitaneado los gustos de un público, el indie, cada vez más masivo en España. Sólo hay que ver el éxito del festival barcelonés Primavera Sound, estrechamente ligado a Rockdelux.
“Nuestro radio de acción va más allá de nuestro tamaño”, cuenta el director. Tiene argumentos: esta publicación catapultó a bandas consagradas en sus primeros días (Los Planetas quedaron segundos en su concurso de maquetas, en sus lejanos inicios en los 90), su estilo de redacción (poético y con aires intelectuales), ha impregnado el periodismo musical en España: lo que sale en sus páginas es referencia para otras publicaciones de música. “Lo que dice Rockdelux importa”, concluye Carillo.

Carillo no es un entrevistado fácil: si desconoces detalles de reportajes publicados en su revista se asombra, y no es amigo de explicaciones amplias. A cambio, no se corta en ser tajante. Es serio, como los contenidos de su publicación. “No soy de los que piensan que los críticos seamos músicos frustrados”, responde, ante la pregunta de si ha tocado en alguna banda. “¿Nuestro gran valor? Que somos independientes: sólo dependemos de nuestro trabajo, no pertenecemos a un gran grupo”, dice, desmarcándose de cualquier estrategia empresarial que pueda diluir la credibilidad de su trabajo. “Tenemos amigos y enemigos, pero contamos con el respeto de ambos”, dice, a modo de declaración de intenciones.

Rockdelux nació en 1984 como una reencarnación de Rock Espezial, publicación musical de referencia en España aquellos años. Entonces, Santi llevaba casi un lustro escribiendo sobre música. Cuando aquella década llegaba a su fin, este amante de Alaska y los Pegamoides, Bruce Springsteen o los Clash se hizo con la dirección de la revista. En ese momento, un circuito minoritario de músicos ponía semillas para lo que a principios de la siguiente década coagularía en el incipiente indie patrio. Rockdelux encontró en éste su nicho. Aunque Santi se desmarca de fórmulas: “Hemos hecho testimonio de muchas cosas que empezaban: la electrónica, el nuevo flamenco...”. Para ello, su gran baza es, explica, su capacidad para filtrar información. “Contamos con una buena plantilla de colaboradores, que seleccionan entre lo abundante de la música ahora”, cuenta.

El director de Rockdelux habla de cuál es el futuro de los grupos, de cómo la música de calidad es de las élites en este país, y de qué mata los gustos musicales de la mayoría: los 40 Principales.

¿Cómo ves el estado de la música en España?

Aquí la música es de una élite seleccionada. España es más para la fiesta, para lo popular, no tanto para disfrutar de las cosas menos directas. No es un país musical, como Francia, Inglaterra o EE UU, en los que el pop es una forma de vida. Aquí simplemente es un complemento.

¿Por qué crees sucede esto?

La tradición musical aquí es nefasta. Y no hay apenas medios con una criterio seleccionado. Está Radio 3, que es una excepción, y de ahí tienes que irte a canales autonómicos. Creo que 40 Principales ha tenido una influencia nefasta en la música aquí. Ponlo, por favor. Además ha tenido un efecto multiplicador: porque su modelo de radiofórmula se ha esparcido a otros medios.

Hay quien tacha a Rockdelux de esnob. ¿Qué respondes ante esta valoración?

No somos esnobs. En nuestras listas con lo mejor del año hemos sacado a Spiritualized, Manu Chao, Public Enemy, Animal Collective, Flaming Lips... Estos nombres no son nada esnob y están consolidados.

Pero hay quien dice que apoyáis a grupos minoritarios y cuando se hacen un poco más masivos les dais la espalda.

No es cierto que las cosas de éxito no nos gustan. Lo que sucede es que muchos abaratan sus propuestas para llegar a un público más populista. ¿Un ejemplo? R.E.M.

¿Crees que 'Rockdelux' ha tenido capacidad para ensalzar grupos o tendencias?

Sí, creo que hemos ayudado. Para Los Planetas hemos sido una especie de padres. De hecho, hay una canción suya, Segundo premio, que yo creo va sobre el concurso de maquetas en el que quedaron finalistas. También hemos hablado de muchos cuando nadie lo hacía, como Sr. Chinarro, Nacho Vegas, Christina Rosenvinge...

¿Y tenéis poder para que un grupo pequeño no crezca?

Las cosas pequeñas que no nos gustan las pasamos por alto.

¿Dónde está el futuro de la música en España?

Tal y como están las cosas, en la autogestión. Los grupos tienen que crecerse ante la crisis.


Última edición por RubyWoo el Jue 03 Mar 2011, 12:35, editado 1 vez
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Re: Artículos sobre música

Mensaje  RubyWoo el Jue 03 Mar 2011, 12:00

Tercera entrevista:


GAY MERCADER, CODIRECTOR DE LIVE NATION EN ESPAÑA: LA PROMOTORA DE CONCIERTOS MÁS POTENTE
“Hablo por teléfono 16 horas al día”

No todos tienen una foto veraniega con Keith Richards, de los Stones. Gay sí.
El empresario más poderoso de la música en vivo en este país no usa internet. Y cuando se metió en Google por primera vez dio con un montón de páginas con contenido homosexual.“Nunca había entrado hasta el año pasado y ¿qué es lo primero que busqué? Pues, mi nombre. Aparecía entre un montón de páginas gays”, cuenta Gay Mercader, entre risas. Este catalán, de 61 años, vive en el campo, en Anglés (Gerona) y no tiene carné de conducir. Su trabajo lo lleva a cabo desde el sofá de su casa; eso sí, con un consumo de teléfono, asegura, “de 16 horas al día”.
Un tipo peculiar. Gay se presenta como un solitario y poco amigo de la farándula. Pero tiene amistad íntima con Sting, recuerda juergas emblemáticas con Keith Richards y en sus ratos libres ha tratado de aprender a tocar la guitarra, con instrumentos regalados por Bob Dylan, AC/DC o Neil Young. No con mucho éxito: “Soy mal músico, buen promotor”, explica. Se explaya con disertaciones, no deja cabos sin atar y no suelta el timón en la conversación. Disertando sí, pero sin perder el control.

No le faltan motivos para sentirse seguro. Mercader está a la cabeza en nuestro país de Live Nation, la mayor promotora de conciertos del mundo. Ésta fue la responsable de traer aquí los últimos gigantescos y concurridos espectáculos de AC/DC, Lady Gaga o Shakira, por ejemplo. Antes de meterse en este oráculo del negocio musical internacional, lideró Gamerco, la mayor promotora de conciertos aquí, con la que trajo a astros como Eric Clapton, Police, Peter Gabriel… Hace cinco años decidió poner fin a su empresa por un motivo: había tocado techo. “Meterme en Live Nation era la única manera de seguir creciendo”, recuerda.
Aunque el concierto más importante de su vida lo montó hace tiempo. Fue en 1976. A los pocos meses de fallecer Franco, se enfrentó al estresante reto de traer a los Rolling Stones a Barcelona. Estresante porque el negocio en torno al rock no era precario, casi no existía (“Esto se ha profesionalizado con los años”, explica Mercader). Hubo manifestaciones en contra e intereses políticos cruzados, pero lo peor fue la pesadilla de cualquier organizador de conciertos: a una semana de tener lugar, se quedó sin recinto en el que celebrarlo. Consiguió montarlo en la plaza de toros Monumental, de Barcelona, y ése fue su pasaporte: “Sabía que si ese concierto salía bien ya me quedaba con una carta de presentación”, explica Mercader.
Mercader se explaya al hablar sobre la crisis en su sector, de la noche que pasó miedo con Iggy Pop en un taxi o del mayor batacazo económico que ha sufrido últimamente.

¿Por qué las entradas de muchos conciertos grandes son a menudo tan caras?
Los precios no los dictan las promotoras, sino los artistas. Yo puedo proponer uno, pero si quien toca se empeña en que son 50 euros, ése es el precio. Hay también quien se preocupa de que todas las localidades tengan el mismo coste, como AC/DC, en su última visita. Todas las entradas estaban a 65 euros.

¿Y cuánto cuesta traer a un grupo histórico, como AC/DC, por ejemplo?

Los grupos históricos son históricamente caros. Multiplica los 65 euros por entrada por 60.000 asistentes, después descuenta el coste del escenario, un millón, después costes de producción... Es complicado decir un precio exacto pero puedes hacerte un cálculo aproximado.

En tiempos de crisis, ¿cómo se ha visto afectado tu sector?

Es mentira que los conciertos se han llevado el dinero que antes se gastaba en discos. Han desaparecido los ayuntamientos con su dinero y sin éstos es difícil organizar un concierto grande. Tiene que intervenir la empresa privada, como pasó con los Stones en Vigo, por ejemplo. Son tiempos duros, aunque esto se ha profesionalizado mucho. Hemos mantenido el tipo, los que más, probablemente.

¿Cuáles han sido tus mayores éxitos y batacazos profesionales recientes?

Lo primero, Lady Gaga. Es la tía más mediática desde Lady Di. Es el mayor fenómeno actual, junto con Shakira. ¿Un batacazo? El último concierto de Peter Gabriel en Madrid. Nunca hay garantías.
¿Habrá conciertos de Rolling Stones este año?
No.
Eres amigo de ellos. ¿Cuál crees que es su motivación para seguir?

Son músicos y tocan porque lo necesitan.
¿Recuerdas el primer concierto que montaste?

Fue en mayo de 1973, del grupo Incredible String Band, en el Palacio de la Música de Barcelona. Un amigo y yo nos pusimos delante de donde iba a ser el concierto y decíamos, a voces: “Estos tíos que vienen a tocar son buenísimos”.
Así, de primeras, ¿qué recuerdo de jarana te viene a la cabeza al tratar de recordar una juerga con alguna estrella?
Es que son un montón… Me viene a la cabeza una noche en Lisboa, con Iggy Pop. Íbamos en un taxi, con un loco conduciendo. Sentimos tanto miedo que nos pusimos las gafas de sol para no ver nada.


Última edición por RubyWoo el Jue 03 Mar 2011, 12:36, editado 1 vez
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Re: Artículos sobre música

Mensaje  RubyWoo el Jue 03 Mar 2011, 12:01

XAVIER ARRETXE ‘POLACO’: MÁNAGER DE FITO Y FITIPALDIS: EL GRUPO QUE MÁS LLENA
“Ya no hay dinero negro como antes en este negocio”

Polaco, mánager y ex batería punk.
Polaco (así le llama todo el mundo) habla rápido, piensa rápido y vive rápido. Sus frases a menudo no llegan a ser finalizadas: no ha terminado de explicar una idea y ya se está yendo a otra. Pero es consciente de ello. “Perdona, es que voy muy rápido”, se disculpa. Es un defecto profesional: en su trabajo tiene que coordinar horarios, funciones y personas, con agilidad, sin miedo a los imprevistos ni a las grandes cantidades. Es el mánager que trabaja con mayores cifras de nuestro rock: es el mánager de Fito y Fitipaldis, el grupo español que más llena. Porque, ¿cuántos han puesto hasta arriba el Palacio de Deportes de Madrid, con 15.000 personas, tres noches consecutivas?
Su labor la realiza desde la cabeza de Last Tour International, creciente empresa, que orienta y coordina la carrera de músicos (además de Fito y Fitipaldis lleva a Extremoduro, M Clan, Quique González…), es promotora de conciertos (organiza los festivales Azkena Rock Festival o Bilbao BBK Live, ha traído las giras de Kiss, Metallica…)… “Ha desarrollado una forma innovadora de entender el negocio desde la gestión directa de todas sus vertientes y la cercanía con el artista…”, se presenta la marca en su página web. El estilo de Polaco resulta más campechano y directo: “Tengo poca paciencia para tonterías”, suelta el mánager de rock más importante en nuestro país.
Polaco en su DNI es Xavier Arretxe Irigoien, de 45 años, emigrado de Barcelona a Portugalete (Vizcaya) a mediados de los 80. “Nunca supe que a los catalanes les llamaban ‘polacos’ hasta que llegué al País Vasco en los 80”, explica, riendo, sobre el origen de su mote. Su historia se construye con vivencias de calle, casualidades e intuición. Como el cocinero que antes fue fraile, él se curtió en varias bandas de punk y rock (Zer Bizio?, The Flying Rebollos…), antes de sustituir la batería por una gruesa agenda. De hecho, sus tambores son los que se escuchan en las primeras grabaciones de Fito y Fitipaldis. Pero no fueron los que le llevaron a moverse entre peces gordos de la industria musical española.
“Sé que lo pasé muy bien, aunque no recuerdo muy bien con quién ni cómo”, se sincera, al echar la vista atrás a sus agitados años 80 y 90. En aquella nebulosa, en la que tocó cientos de conciertos en garitos por todo el país (con sus correspondientes juergas), dio con la clave de su trabajo: “La única forma de crear una carrera sólida en la música es de la manera tradicional: curtiéndote a base de conciertos, poco a poco”, comparte. Su bautismo de fuego, organizando entre bambalinas, lo tuvo junto a Extremoduro, banda para la que trabajó como mánager de carretera (“su mánager, Jokin, un tío de toda la vida, me enseño un montón. Es como un padre”, dice Polaco sobre este padrino). Pensar a largo plazo, funcionar con los menos intermediarios posibles o coordinar a aquellos con mayores conocimientos técnicos que él son gajes que ha aprendido en sus casi 15 años de rodaje.
Polaco habla sobre pagadores con dinero negro, de por qué echa a intrusos en los camerinos de los músicos y sobre la previsión climatológica, un gran quebradero de cabeza para él. Lo hace siempre rápido, claro.
¿En qué consiste el trabajo de mánager?
Depende del criterio de cada uno. Para mí es rodear al artista de lo necesario para que sus canciones luzcan. Que el músico no tenga que pensar en otra cosa que en hacer sus temas. Me dedico a todo lo que rodea a la música: prensa, publicidad, sponsor, diseño de carteles…
Dicen que al mánager le toca hacer de poli malo.
Eso es porque tratas de quitar presión todo el rato. Si hay que echar a alguien del camerino antes de un concierto, pues me toca a mí hacerlo.
¿Y te toca lidiar con muchos caprichos de estrella?

No. Yo trabajo con el músico, no para él: es una interrelación. Y no utilizo contratos de exclusividad: quien se quiera ir lo puede hacer. Sólo he tenido una experiencia mala, de tener que cortar con alguien por actitudes de ese tipo, pero no te diré con quién. Sólo trabajo con quien quiero.
¿Hay crisis en la música española?

La música no está en crisis. Son las discográficas las que se han ido a tomar por culo. Hay músicos que se quejan, pero los beneficios por ventas de discos para ellos son del 4%. Los músicos nunca han vivido de las ventas de sus discos. Fito puede hacer una gira sin haber publicado nada nuevo.
¿Y la música en vivo pasa por malos tiempos?

Hay menos feriantes. Está desapareciendo la figura del agente-amigo, ése que se lleva al concejal del ayuntamiento de p**** y a comer, para colocar a un artista y luego se lleva un 10% de lo contratado. Otra cosa es el agente que contratas, porque conoce bien la zona y las infraestructuras donde quieres organizar el concierto. Esto se ha profesionalizado mucho: ya no hay el dinero negro de antes, que terminaba un concierto y te venían a pagar con un fajo de billetes. Ahora llegas a una sala y vales lo que vales: se lleva menos lo de cobrar 50.000 euros para que vengan 200 tíos al concierto.
¿Cuál es el mayor quebradero de cabeza en tu trabajo?

La climatología. Tienes un concierto al aire libre, y estás que si llueve, que si no llueve… Y tienes que tomar decisiones rápido.


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Re: Artículos sobre música

Mensaje  SuzieQ el Jue 03 Mar 2011, 12:30

Interesantes entrevistas (y manifiestas contradicciones del Director de los 40).
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Re: Artículos sobre música

Mensaje  RubyWoo el Dom 20 Mar 2011, 22:45

LAS REINAS DEL POP

Hace dos años, la prensa anglosajona se hacía eco del impacto en las listas de ventas que supuso la aparición de Lady Gaga, La Roux, Little Boots y un largo etcétera de cantantes femeninas electropop. Un dato que la industria interpretaba como una respuesta natural al retroceso global de las bandas rock de chicos, basándose en factores ambientales y casi esotéricos: en épocas de crisis, la gente necesita algarabía y buen rollo. Por tanto, una chica que sale al escenario subida a horcajadas de un cohete (Katy Perry) tendrá más posibilidades de triunfar que una panda de tipos peludos que actúan mirándose a los pies.


nido de Epic, mítico sello absorbido por Sony BMG, alertaba en el periódico británico The Guardian de lo efímero del asunto: "El mercado solo es lo bastante grande como para sostener a cuatro o cinco de ellas. En Navidad solo quedarán tres. Y en pocos años miraremos atrás y solo habrá una a la que consideremos realmente significativa, a la altura de Aretha, Whitney y Mariah. Todos estamos luchando por ese lugar".

"Es la dinámica del 'yo también quiero'. Como si a los cazatalentos hombres -y siempre son hombres- les hubiesen dicho que salieran a la calle y no volvieran si no era con un contrato firmado por una solista jovencita y fotogénica", corroboraba en The Observer la periodista musical y activista del feminismo Miranda Sawyer. Aunque luego matizaba: "Hay otros factores que también explican este fenómeno. Una chica se supone que es más fácil de manejar que una banda de chicos. Estasas tienen miembros, y esos miembros se pelean. Pero no solo te evitas los gritos. Llevar la carrera de un artista en solitario resulta lógicamente más barato". Por su parte, Leonie Cooper, del influyente semanario New Musical Express, simplificaba la ecuación afirmando que en un momento en el que hay "más mujeres que van a conciertos y compran revistas de música es totalmente lógico que haya más diosas del pop".

Es pronto para enterrar cualquiera de las carreras de las arriba mencionadas, pero es evidente que el mercado actual, espoleado por el ritmo que marca el nuevo escenario digital, canibaliza las nuevas apuestas a una velocidad de vértigo.

De las estrellas gestadas en los tres últimos años, sean del sexo que sean, solo el porvenir de Lady Gaga (que dos años después de debutar ha arrasado con una gira mundial comparable en volumen a Madonna o a U2) y quizá el de Rihanna parecen de momento fuera de toda sospecha. James Oldham, cazatalentos en uno de los sellos de la omnipresente multinacional Universal, advertía de que la saturación del protagonismo de lo femenino era poco menos que inminente: "Los fans de Oasis siguen ahí, esperando el momento en que llegue otra banda similar".

¿Responde el asalto de artistas femeninas a las listas realmente a una tendencia? ¿Estamos ante una moda efímera que impepinablemente sucumbirá a la preponderancia masculina natural en el pop? ¿Es inevitable que el curso de la historia obedezca a designios tan machistas? ¿No sería más preciso pensar que, simplemente, sobrevivirán las que consoliden su propuesta, como ha ocurrido siempre con cualquier banda?

La propensión a generalizar de los medios de comunicación lleva años clasificando la aparición de la mayoría de nuevas estrellas femeninas mainstream en dos apartados. Por un lado, la pin-up coqueta y sexy (Kylie Minogue, Beyoncé, Britney Spears, Christina Aguilera, Duffy). Por otro, la pin-up rebelde y moderadamente contestona (Avril Lavigne, Gwen Stefani, P!nk, Lady Gaga, Amy Winehouse).

Durante casi una década hemos asistido a un espectáculo monitorizado por blogs, televisiones y tabloides en el que tuvimos la sensación de que la única vía de la que disponían estas artistas para evolucionar se limitaba a un cambio de apartado. O en el mejor de los casos, a varios, como Madonna. Pero siempre fluctuando entre las dos mismas direcciones. Así, Beyoncé se redimía inventando a Sasha Fierce, su álter ego más faltón y agresivo. La angelical Christina Aguilera llamaba al hipervitaminado fotógrafo David LaChapelle para que le otorgara credibilidad en un videoclip semilésbico subidito de tono de nombre Dirrty. Y Britney Spears, entre escándalo y escándalo, se rapaba el pelo al cero, regalando a los paparazzi una de la imágenes más icónicas de la década anterior.

Y justo en el sentido contrario, Avril Lavigne cambiaba sus zapatillas Converse All Stars de punki de centro comercial por unas plataformas y un liguero. Gwen Stefani, los pantalones hardcoretas por una alianza fashion (y más fotografiable) con su amigo John Galliano. Y P!nk, sucumbiendo a base de tinte a la creencia universal de que los caballeros las prefieren rubias, renunciaba al rosa que le daba nombre por el platino Marilyn.

La irrupción en las listas de ventas de EE UU y Reino Unido de personalidades tan dispares como Janelle Monáe o Florence + The Machine ha demostrado estos últimos meses que las cosas no eran tan sencillas. Y aplaza, si no desmiente, la inminencia de la saturación. O acalla temporalmente a sus teóricos.

Las verdaderas tendencias que se desprenden de las cifras poco o nada tienen que ver con el género de sus protagonistas. En primer lugar, asistimos al auge y la consolidación de la cantautora pop, aquella que compone sus propias canciones y tiene la última palabra sobre su imagen (Lady Gaga, Jessie J, Nicki Minaj o Clare Maguire). Un modelo que se impone con fuerza al de marioneta al servicio de la industria. Algo que se hace especialmente evidente en la figura de Robyn. La sensación sueca del electropop es propietaria de su propio sello, Konichiwa Records. Además, la cantante y compositora ha anticipado un posible cambio de modelo en la distribución y promoción musical, publicando tres álbumes en un mismo año a la vez que giraba ininterrumpidamente.

Exceptuando el caso de Adele, que ha arrasado, a los dos lados del charco, con su segundo disco, 21, también se trasluce que el mercado ya no está obsesionado con buscar una diva soul-pop que cubra la ausencia de Amy Winehouse. En cambio, las voces particulares e inequívocamente reconocibles, como la de la barbadense Rihanna, se promueven en otros géneros, fundamentalmente bailables. Vivimos en la era de la dictadura del dance. Madonna sorprendió al mundo cuando anunció que su disco de 2005 Confessions on the dancefloor estaría completamente enfocado a las discotecas. O sea, que no incluiría ni media balada. Hoy podríamos decir que es prácticamente la norma. Y decenas de artistas confían en una reducidísima élite de productores (Dr. Luke, David Guetta, RedOne, Stuart Price...) para que les fabriquen el sonido que les sacuda la caspa en la pista el máximo tiempo posible.

Aunque hay cosas que no cambian. Que el sexo aumenta las ventas es una obviedad. Que estas féminas lo usan para incrementar las suyas, también. Así lo hizo Britney Spears allá por 2000 cuando, con su millonario debut Baby one more time, irrumpió en escena vestida de colegiala libidinosa que andaba a vueltas con Dios. Y así lo hacen las integrantes de lo que una bitácora bastante gamberra (Hipster runoff) ha bautizado como slutwave. Un término no particularmente respetuoso, pero que la blogosfera abraza con fruición y que la edición estadounidense de Rolling Stone ha nombrado género del año.

La casi ausencia de ropa y las letras explícitas son las principales características de esta etiqueta, cuya traducción al español más cercana sería "ola de fulanas". Pues menuda novedad, pensarán. Pero lo cierto es que un concepto tan arcaico como el de echar el cebo de lo carnal está experimentando su cara más extrema en manos de Lady Gaga, Katy Perry y, sobre todo, Ke$ha, la cantante que debutó con un tema orientado al público preadolescente en el que aseguraba que se lavaba los dientes con una botella de Jack Daniels.

Entre el sujetador cónico de Madonna y una foto de esta angelina de 24 años filtrada por la web de Pérez Hilton en la que sale cubierta por lo que parece semen -mientras seduce a la cámara con mirada de éxtasis poscoital- hay la suficiente distancia como para que la suspicacia se cuele por ella. ¿Es la slutwave otro fenómeno pop sin mayores consecuencias? Recuerden en qué quedó el ínclito "girl power!" de las Spice Girls. ¿O es esta nueva ola el último azote del feminismo?

Por mucho que Rihanna cante "Yo nunca hago el papel de acosada / prefiero ser el acosador", hay voces que precisamente acusan a algunas de estas poderosas mujeres de ponerse al servicio del patriarcado al hacer suyos recursos de la narrativa machista. Es el caso de la rapera Nicki Minaj, que reivindica la feminidad empleando viejos chascarrillos propios del gangsta rap más misógino. ¿Pero existe una postura feminista viable en el género sin recurrir (o incluso, parodiar) a los tópicos? Según la especialista Menda Francois, sí. Y cita como ejemplo un verso de Lauryn Hill: "Mientras tú imitas a Al Capone / yo seré Nina Simone y me cagaré en tu micrófono". La frase, asegura, representa una crítica legítima a la hipermasculinidad y el falocentrismo que domina el hip-hop.

Efectivamente, si sumamos las consignas sexistas y la actitud de mujer objeto, el resultado no se ajusta precisamente a lo que el feminismo entiende por empowerment (otorgamiento de poderes) de la mujer. Pero para Enric Palau, codirector del festival de música electrónica Sonar, la cosa no iría más allá de la anécdota. El ejemplo es el grupo Yo Majesty, un trío de hip-hop femenino de Florida que tocó en su festival en 2009: "Dan la vuelta a los tópicos masculinos reproduciendo sus actitudes. Vamos, que si 50 Cent se lleva la mano al paquete, ellas también lo hacen. Eso resulta muy chocante para el público. Aunque lo que más interesante me parece es cómo estas mujeres están consiguiendo permeabilizar el ambiente. Lo mejor será que dejemos de hablar de música hecha por mujeres y hablemos del factor femenino".

En todo caso, nadie puede negarles el alfa a estas hembras. Ya sea mimetizándose con el género masculino o haciendo lo contrario, entre todas han construido una identidad colectiva con un alentador discurso en positivo. "Algunas mujeres eligen perseguir a los hombres y otras eligen perseguir sus sueños. Si no sabes qué camino tomar, recuerda que tu carrera nunca te despertará de la cama para decirte que ya no te quiere", defiende Lady Gaga.

Será una contradicción, pero resulta que, en estos tiempos de corrección política, crear verdadera polémica no es tan fácil. Por muy deliberadamente provocadoras que sean, las componentes del slutwave son un producto de lo más vendible. Un caramelito del que dar buena cuenta desde distintos frentes. "Hoy en día, para ser una estrella del pop tienes que ser una celebridad, tener exposición en los medios. Capacidad mediática. Que si Cuore, que si Vogue...", cuenta el músico Mauro Canut. Y si algo no les falta a estas chicas es la atención.

Protagonizan la esfera social, y las marcas no dudan en casarse con ellas en régimen de gananciales. Cheryl Cole es la actual embajadora de L'Oréal para el Reino Unido; Lady Gaga fue imagen de Mac, y en el año de su centenario, Nivea ha contado con Rihanna para celebrarlo.

Santiago de Mollinedo es el director de Personality Media, una agencia de asesoría para anunciantes. Desde su posición de mediador, desvela que "las marcas que utilizan estos personajes de forma más activa son especialmente las de moda y belleza. Tienen una mayor flexibilidad creativa y capacidad de inversión. Son las artistas, por tanto, las que cuentan con un mayor presupuesto en publicidad, siendo esta la principal fuente actual de ingresos del sector musical".

"Sin ser particularmente novedosa, sí es cierto que la idea de promover a una estrella del pop como icono de un estilo de vida está más vigente que nunca", confirma David Miah, que se ocupa de las relaciones comerciales entre artistas y marcas que establece la discográfica Universal en el Reino Unido. Según este insider, estamos hablando de un nivel cero en lo que a compromiso se refiere. Por ambas partes. "Las artistas femeninas se muestran especialmente predispuestas a estrechar lazos con la publicidad porque les cuesta menos encontrar el balance entre integridad y éxito comercial. No es el caso de la mayoría de artistas masculinos. Lady Gaga usa el product placement en sus vídeos, y por algún motivo pocos ponen en duda su autenticidad. Pero si los Kings of Leon hicieran algo parecido, probablemente se les tacharía de vendidos".
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